Busco en dónde exponer mis cuadros, para el año que viene. Ya toca, después de cuatro individuales entre 2007 y 2008. Me piden, en varias salas, que presente "un proyecto".
-¿Qué coño es un proyecto?- pregunto.
-Un dossier/presentación de bocetos, ideas y previos de lo que vas a exponer, argumento conceptual, presupuesto y otras formalidades.
Yo les puedo dar mi catálogo. O mandarle fotos de obras nuevas. Pero lo que no quiero hacer es:
-Un reportaje fotográfico con modelos semidesnudas en un basurero, que muestra las dos caras paradójicas de nuestra sociedad capitalista.
-Una instalación con arena de playa y objetos semienterrados, colillas, pilas, bolsas, cosas sin identificar, trocitos de madera y plástico y algunos documentos ajados, practicamente irreconocibles, escritos en árabe y otras lenguas subsaharianas que remiten a la gran tragedia de la inmigración ilegal.
-Un video que muestra unos pies femeninos paseando por una casa en zapatillas, mientras en distintos puntos de la sala, escondidos, unos altavoces emiten a un volumen casi imperceptible unos ruiditos domésticos, ¿el ronroneo de un gato, quizás, o el centrifugado de una lavadora? Una referencia a la intimidad.
-Un potente foco ilumina, en medio de la inmensa sala que permanece a oscuras,una hoja gigantesca de pan de oro de cuatro metros y medio, en donde reposa grácil una pluma de cuervo, sumiendo el recinto en una luz de frágil espiritualidad pero profundamente antireligiosa.
-Unas sólidas estructuras de acero, tipo andamio, pero de porte escultórico que rezuman una suerte de aceite dulcemente oloroso que impregna todas las barras. El visitante puede interactuar con la pieza, y es invitado a subir hasta lo alto de la construcción para ver qué es lo que retransmite allí una pequeña pantalla. Evidentemente, no lo conseguirá por causa del aceite. Se trata de una obra sobre el concepto de "modernidad líquida" de Zygmunt Bauman.
-Un cuarto convertido en establo de lujo durante el tiempo de exposición, lleno de burros de Fuerteventura. Se pretende denunciar el mal estado del hábitat de estos animales, elevándolos a Arte, y cuidándolos como a seres privilegiados, para que nos concienciemos con nuestra fauna. Habrá en la sala una cabina- ordenador online para que el público pueda donar su dinero solidariamente a una ONG majorera que está persiguiendo con ahinco la utopía que salve a esta especie.
-Una serie de 200 fotos, en donde se me ve retorciendo el cuerpo hasta sus extremos, al punto del dolor, para hablar de la experiencia del yo somático.
- Dos performers disfrazados de Hitler y Stalin que recitan la Ursonate de Kurt Schwitters mientras van catando vinos canarios, una fina sátira en donde se demuestra el absurdo y prepotencia de los políticos (nacionalistas)
- Una instalación de performance online multimedia que un grupo de cuatro videojockeys canarios realiza simultaneamente en conjunto con un grupo de cuatro artistas de Taskent (Uzbekistán). Mediante varios beamer de última generación se producen unas descomposiciones de color por toda la sala, que se generan desde criterios totalmente democráticos, votando un color cada participante en loops de cinco segundos, y que nacen de las sugestiones provocadas por la sesión online, en directo desde Detroit, de la leyenda viva del minimal techno DJ Guay.
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25 comentarios:
Que susto, estaba leyendo por encima el post y me salté eso de “lo que no quiero”, por un momento pesé que se te había ido la olla. Me imagino que esto de un proyecto es para tratar de superar la condición de “autor” que rezuma un nombre o un catálogo de tus obras, avalar con trayectorias. No parece del todo descabellado que alguien trate de conocer sobre qué estás trabajando para saber si encaja en su programación. Saludos.
Hombre Jóse, lo de la hoja gigantesca de pan de oro y, sobre todo, lo de los burros, podría resultar divertido (yo he soltado una sonrisa imaginándolo); sobre todo si se hiciera de un punto de vista irónico sobre ese tipo de arte.
Ruben
Pasa pibe! MEnuda copiada te pegaste de la idea que te conté de hacer un blog de proceso...jajaj,bueno eso me pasa por no hacerlo antes de hablar. De todas formas asi nos comentamos uno al otro cuando los colegas se cansen.
Por cierto que la idea del andamio oleaginoso tambien me la robaste, menos mal que esta está registrada en vegap y pronto te pasarán a cobrar, que ya les di tu dirección.
pd: muy bueno lo de Nosh Harrington
Alby, qué mentiroso eres, que jamás en la vida has comentado nada de abrir un blog. Lo del andamio si que te lo robé, ya veremos que pasa con los derechos de autor.
Como cuaderno de campo de un servidor, este blog pecará muchísimo de parcialidad. No obstante intentaré presentar temas que den pie a debates y a disensos, aunque surjan de una práctica específica.
Este post es una crítica ligerita a un protocolo museístico extendido que determinados artistas sólo podemos “cumplimentar” con muchas acrobacias , cayendo habitualmente en la tontería de reivindicar el estilo, la unidad de la obra, la coherencia plástica interna, el sacrosanto “tema” y otras sandeces que legitiman la producción constante de una máquina de hacer churros. Fulanito los hace así, Menganito los hace asao: eso es ser pintor, se supone.
¿Hay pintores que no son artistas contemporáneos? A patadas. ¿Es un cuadro un “proyecto”? Debería.
Ahora, si escribo mi “proyecto” antes de pintarlo- operación bastante oscura si se está en un proceso de cierta complejidad y se prepara algo nuevo- el museo en cuestión me mandará con seguridad a freír espárragos, si no hay algo más alrededor de las telas que aporte una gracieta, como los pobres burros de Fuerteventura.
- ¿Un proyecto, colgar cuadros? Ay, no sé… ¿no es muy moderno, no?
Hombre, si hablamos de exponer en una sala-museo, creo que el modelo-proyecto=catalogo-de-mis-cuadros para pintores está mas q aceptado.Como todo, depende de la "linea" que esa sala-museo lleve, si es que lleva alguna.
En lo que si estaría de acuerdo es en que la pintura (sin gracieta por medio) no se suele considerar digna de un proyecto specífico subvencionado (llamese beca, estancia o project). Además sobre esto te dirán que para los pintores ya hay 3500 concursos de provincias promovidos por el banco o el ayuntamiento de turno, en el que compartirás catálogo con dña paquita tu vecina dl quinto que empezó a pintar como terapia(que por otra parte es como empiezan la mayoría de pintores).
Pero para qué gastar una subvención en algo que el artista ya hace sin ella y que además es considerablemente mas vendible que una instalación??
Aun hoy el PINTOR es la figura del artista por excelencia, su modelo es el mas independiente, el mas factible por su flexividad y adaptación a las formas de producción, mercado y exhibición...pintores del mundo uníos!
Como contra está el que al ser un modelo que viene funcionando durante siglos, tambien es un modelo visto como rancio y puretil y sobretodo nada espectacular, que es el ingrediente indispensable para que la entidad patrocinadora adquiera prestigio con sus becados-subvencionados.
por cierto, no entiendo a qué te refieres con eso de "operación bastante oscura si se está en un proceso de cierta complejidad y se prepara algo nuevo"
Personalmente estoy un poco harto de este complejo del que pinta y de este cuestionamiento continuo sobre lo que hace. Cada cosa tiene su lugar y creo que el que prefiere pintar (no me gusta decir PINTOR, li siento) tiene un espacio bastante generoso donde desarrollarse "profesionalmente". Me parece un tanto presuntuoso estar cuestionando continuamente la contemporaneidad de la pintura.
Bien, bien. Veamos:
-Rubén: No puedo estar más en desacuerdo contigo. Este blog al menos se prentende como un recuestionamiento continuo del arte, partiendo de la praxis. Que las cosas tengan su lugar es algo de entrada sospechoso. Hay que analizar para después plantear la posibilidad de realizar cambios. Sobre el campo profesional generoso... en fin, tu optimismo me deja chocao.
-Catálogo como protocolo equivalente a proyecto, tengo mis dudas. Dejémoslo estar por ahora. Me interesa menos que el punto al que hemos llegado. La condición del pintor en la escena contemporánea:
El artista hegemónico hoy por hoy es para mí el multidisciplinar. Saltándonos la parodia, el que ha escrito los "proyectos" infumables (peores se han visto) con los burros y el andamio. Toma una idea y la desarrolla con los medios que convengan. “Art of the millenium”. Los pintorcillos están juntitos todos en “Vitamina P”. Ojo, describo, no critico.
El pintor está separado del común de los artistas por no se sabe qué razón. Es pintor. Punto. Lo común es que tenga un “tema”, o haga series distintas, con su “estilo personal”, para cada expo.
Por lo general se le suponen una serie de condiciones de trabajo muy definidas que acaban apuntando a un puro lenguaje de género. La mayor parte de sus amantes rara vez quieren salir de las seguridades de este género (tanto a la hora de producir como en el contexto profesional, con sus concursos, galerías, etc) y sus detractores simplemente opinan: “es pintura”, algo incapaz de representar el mundo contemporáneo y de paso, casposo.
Traduciendo esto al lenguaje común acabamos, como muy bien dice Alby en el “modelo visto como rancio y puretil y sobretodo nada espectacular, que es el ingrediente indispensable para que la entidad patrocinadora adquiera prestigio con sus becados-subvencionados“ y yo me cago mucho por ello, porque mucha pintura es más contemporánea que el primer machango que hace una rúbrica neolítica (con spray) en la pared de un museo al ritmo machacón del tambor tribal (una sesión de dj guay).
La frase que me dice Alby, yo tampoco la entiendo mucho, cosas del directo. Supongo que quiero decir „yo, personalmente, no te puedo decir con concreción brutal qué voy a pintarte para el año que viene , si no es con una descripción supergeneralista de todo el trabajo en conjunto, que o bien suena a metáfisica barata en el formato „proyecto“ de medio folio o requiere de 20 páginas chascosas“
Creo que el problema del "pintor" al estilo "tradicional", sin andamios ni burros es el de querer entrar en el espectáculo. Es como un cantautor o un grupo "indie"empeñado en ganar operación triunfo o el concurso "tú sí que vales". Es una estrategia equivocada.
Pintar, en sí mismo, ya es una estrategia, un posicionamiento, no hacer un cuadro.
Por otra parte, también opino que la pintura de hoy debe cuestionar su territorio, no afirmarlo y esto es porque su contexto ha cambiado. Pintar sin más contexto que el "cuadrilátero" es una proeza da la que no siempre se sale airoso. Es un reto complicado. Opino lo mismo de la fotografía entendida como objeto/superficie bidimensional que muestra un trozo de realidad subjetiva descontextualizada.
Las formas son resultados de una acción y ésta última es la que importa y sobre las que hay que hacer el proyecto.
Claro que esto es una opinión . Suerte y besos!!!
Estudio verde: Gracias por participar!
Me gustaría que concretases un poco más, principalmente aquello del "espectáculo".
No sé si te entiendo bien. ?es entonces o debe ser la pintura una suerte de género que tiene que resguardarse del mercado contemporáneo para no contaminarse con el espectáculo? En ese caso, cómo? no es todo el mercado espectáculo, al menos el mercado del arte? (escribiré más adelante un post sobre la pertinencia o no de una "segunda liga" en donde se juegue al fútbol, y se hable de fútbol, sin tanta presión mediática como en primera)
Entonces dime: ?consideras no-espectáculo la pintura ascética de Cristino de Vera, premio nacional de arte, con expo individual en el Reina Sofía y Fundación a su nombre? Crees que Fischli&Weiss, artistas megamediáticos, no pintores, son espectáculo? ?es Gerhard Richter un artista-pintor "indie"? No son lo más show business-casi llegando al nivel de operación triunfo -las expos de Bacon, Manet y Sorolla en el Prado? Es espectáculo exponer en la Sala de Arte de Valsequillo (por decir algo) en donde piden un "proyecto", y no cabe pues el artista "indie"?
?cómo metes en un dossier la acción que te ha llevado a pintar el cuadro que quieres exponer? Lo entenderá el comite de selección de la sala de valsequillo?
me parece que mezclas churras y merinas, Richter y la sala de Valsequillo,y tu "proyecto", lo siento, discursivamente estás en ámbitos diferentes, saltando de una cosa a la otra. desgraciadamente, la propia palabra "espectáculo" se usa demasiado, y pocos han leido y entendido a debord. una cosa es el arte, y otra lo que se haga de él mediáticamente. saludos
Mariano, no se si has pillado de qué va el asunto. Es absolutamente evidente que mezclo ovejas con coliflores. Un cuaderno de campo es eso; materiales y contextos revueltos que van tomando forma en el proceso.
Al que le guste el juego, un juego que me parece tremendamente creativo, serio y que como artista me lleva la vida, adelante. Al que no le guste la falta de "rigor analítico", de formato o de método, bienvenido, y que escriba un ensayo sobre cada post. Aquí se sirven bocadillos con todo, todo bien mezclado, sabroso.
Le preguntaba a Espacio Verde qué considera espectáculo y cómo enfoca la figura del pintor como artista-género . Espectaculo es Debord. Y también es "Las Palmas 4- Barcelona 0: chiquito espectáculo compadre"
Respecto a una cosa es el arte y otra lo que se haga... si puedes extiéndete más porque suena increiblemente naiv.
salud
básicamente lo que quiero decir es que no entiendo de qué estás hablando, que me parece que deberías ser más claro. ¿que no te quieren exponer? ¿que no quieres escribir tu proyecto? ¿que no te gusta el arte multimedia? ¿que te fastidia que prioricen un tipo de arte que no es el que tú haces? ¿que los que deciden y manejan los presupuestos no tienen ni puta idea? eso no es ninguna novedad, al menos en españa, y en canarias ni te cuento. el último comentario que hizo "al pan pan" me parece bastante acertado, como réplica.
por lo demás: ¿debord es espectáculo? creo que estás un poco perdido.
Empezamos comentando el protocolo que existe en muchos museos de los proyectos, del tipo que aparecen en el post. Este protocolo está orientado a un tipo de artistas que no es el pintor, por ejemplo aquí el menda. Tampoco da pa más la cosa.
Este tema, mas secundario, dio paso al debate acerca de la figura del pintor dentro de la multiplicidad de los artistas contemporáneos. ¿Es la pintura una actividad de género, que se contrapone al resto de producciones?
¿Es la pintura (creo que fui lo que entendí de estudio verde) una actividad artística antiespectáculo? ¿En qué sentido?
Eso es todo. Hay bastante chicha. Es lo que nos ha ido saliendo.
Respecto a esas cosas que me preguntas...creo que sigues tratando de buscarle un perfil a este blog que no es el correcto.
Si yo quisiera lamentarme porque no me quieren exponer, o porque la gente en los museos es muy burra, o los multimedia son unos estafadores que no saben dibujar, etc. lo hubiese dicho alto y explicitamente. Pero escribí OTRA cosa; tachala de literaria, poco rigurosa, boberías, ralladuras o lo que quieras, pero es exactamente lo que está ahí y no más. A partir de esto se genera un debate entre varios, fluido, pseudoimprovisado, bloguero en suma, que es lo interesante. Otra vez, repito; cuaderno de campo, no ensayo.
Con Debord hubo una confusión: quise decir que la idea de "espectáculo" puede remitirse tanto a la definición debordiana, como a la mas banal de un partido de fútbol, y aquí (al menos el que escribe las entradas)las vamos usar las dos indistintamente. No es que Debord sea espectáculo, él, el pensador, que fue lo que entendiste mal porque yo me expliqué mal.
Contextualizando y enfocando....
Me he perdido un poco entre cuestiones y conceptos...Valsequillo y Debord me han tocado el alma y en la relación entre ambos me he perdido.¿Volvemos a enumerar las cuestiones básicas (de forma esquemática) que iniciaron este post. ¿Te refieres a tu incomodidad por las desventajas mediáticas de pintar hoy? ¿o quizás a la complejidad de escribir con palabras un proyecto eminentemente pictórico?
Me refiero sobre todo a la incontinencia del dominio espectacular en que todo queda subsumido una vez se aceptan las reglas elementales del paradigma euclidiano. No se si lo pillas. Que pintar sea hoy un acto de la más pura, y quiero que esto quede bien claro, la más pura y genuina actitud pictórica o artística en general, no es culpa mía ni tuya, tampoco del espectáculo, ni del que programa en la sala de Valsequillo y mucho menos del pobre Guy Debord, que bastante tuvo con lo que tuvo. Pero dejemos en paz a los muertos. El muerto al hoyo y el vivo al bollo. De lo que yo quería hablar, al menos inicialmente, era del proyecto, y en eso veo que al menos, aunque sólo sea eso, Estudio Verde, en eso podemos decir que estamos de acuerdo, y no es poco, créeme, tal y como están las cosas en el panorama del arte, ya sabes a qué me refiero. Más claro el agua. El proyecto es lo que me tiene hablando solo, créeme, y no lo voy a hacer porque no lo veo necesario, y además no me da la gana. Ni en Valsequillo no en New York City, son demasiadas las desventajas mediáticas de pintar hoy, y al mismo tiempo son demasiadas las ventajas, esa es la paradoja. Pero la realidad es dialéctica y tenemos que apechugar. A mí se me va la vida y se me viene la muerte, tan callando.
Saludos y gracias por ayudar a hacer de este debate un encuentro serio y fructífero.
vaya, me ha salido un émulo, un doppelganger. por suerte no está muy mal lo que dice, algo críptico, e irónico en el final pero bastante correcto. Serio y fructífero lo será tu santa madre, José Otero, no me montes pollos en el gallinero.
Estudio: Yo creo que al final la cuestión se ha reducido (o al menos lo que me interesa; las ventajas o desventajas del protocolo-proyecto me dan igual, son la excusa para hablar de otra cosa) a la pertinencia o no del pintor-género.
Ese posicionarse pretendidamente a cierta distancia respecto al resto de artistas mediante un discurso no- espectacular, con una tradición particular, y en un "cuadrilatero" muy definido.
Como bien dice José Otero "son demasiadas las desventajas mediáticas de pintar hoy, y al mismo tiempo son demasiadas las ventajas, esa es la paradoja. Pero la realidad es dialéctica y tenemos que apechugar"
Cago en la leche, me tengo ir a trabajar en la obra (costru). A la tarde continuaré con la perorata.
Creo que estás dando demasiada importancia al medio, justo lo que criticas del otro lado. Recuerdo que en varias ocasiones has planteado un enfrentamiento en términos maniqueos, preocupado por el snobismo del arte en función de la tecnología, o el rechazo a la pintura como medio de otro momento. Creo que estas cuestiones solo nos hacen perder el tiempo y nos alejan de lo importante, que es lo que puedas contar de tu experiencia, la realices en el medio que la realices, y eso es precisamente lo que se puede contar en un proyecto.
Imagino a un individuo con un lápiz y un papel construyendo su imagen de la cultura y me parece tan fascinante, intensa y coherente como un vídeo found footage colectivo. Cada uno ha de decidir su contexto en función del cual desea articular su proceso, la experiencia me dice que no debo tratar de leer todas las obras en función de mi contexto, si no ser capaz de reconstruir las condiciones sobre las que trabajan los otros.
A partir de aquí simplemente debo de decidir cuales son las condiciones que van a determinar mi producción sin pretender que sean “las condiciones” como si esto pudiera ser algo objetivo aplicable a todos. Pretensión que destila imposición y creencia en la verdad.
Perdonen pero es que hoy es el día de San Diego, no hay estudiantes por lo que tengo tiempo y no se me va de la cabeza este debate, que por cierto está más presente de lo que creo que debería. ¿Cuál es el problema? Ustedes tienen un espacio de trabajo perfectamente definido, es un espacio dialogal en el que están inmersos muchos artistas. Trabajan en un contexto que parece coherente y existe una producción contrastada, incluso comisariaza y analizada. Me pregunto ¿podrían sentirse cómodos en otro lado? ¿podrían definir un espacio de producción radicalmente diferente? Me respondo yo mismo por ustedes, pienso que no, que precisamente sus trabajos se han empleado a fondo en construir esta diferencia.
Ponerlo en cuestión, sin verdaderamente hacerlo, creo que proviene de cierta pataleta por no verse incluidos en eventos (llamenlos por ahora espectaculares) en los que parecen no tener cabida ¿bienales? o no generar atención en determinados medios. Creo que esto estaba ya inscrito en las bases desde las que partieron, efectos colaterales que precisamente hacían más interesantes sus propuestas. Patalear ahora por ello creo que entra en contradicción con el cuerpo de la escuela de La Laguna.
Si realmente no están cuestionando las premisas de sus trabajos a que viene tanto lamento. Me gustaría que aclararan cual es el origen real de esta incipiente frustración. El problema no creo que sea la cultura espectacular que a fuerza de serlo ya ha acabado con los espectadores, convirtiéndonos a todos en actores, para trasformarse en una cultura postespectacular en la que empiezan a ser posibles las fugas y las disidencias.
Buenos días.
Adrián, me parece muy acertado lo que dices, concentrarse unicamente en las cuestiones y condiciones del medio y en sus consecuencias colaterales es, cuanto menos, una inversión de energía que preferentemente debería estar depositada en otra parte, en la experiencia, es más fructífero.
Aclarar que yo particularmente no me siento en ninguna pataleta por no ver mi trabajo incluido en ciertos eventos en los que ni siquiera he mostrado interés ni he puesto ímpetu en participar. Por otra parte decir que tampoco me importa entrar en contradicción con el cuerpo de la escuela de La Laguna, cuestionar las premisas de cualquier escuela me parece sano y necesario.
Jose, a mí me ayuda mucho, a la hora de escribir un proyecto, tomar conciencia de las limitaciones que me "autoimpongo" ya que estas me obligan definir mi propia experiencia del medio entendiendo éste no sólo como pintura sino como lugar donde la contextualizo. Para mí la palabra clave es el CONTEXTO , el que tú creas, del que partes (limitaciones) y el que se crea alrededor de la obra, fuera del cuadrilátero. Al respecto hay una película muy interesante que vi hace poco, es probable que la conozcas, "Las cinco condiciones" de Lars Von Trier.
No obstante si crees oportuno no protocolarizar tu obra en un proyecto al uso me parece perfecto y oportuno aunque una foto de un cuadro no deja de ser otro protocolo...aunque no existan palabras que mediaticen su lectura.
Abrazos
Jose Otero (o quien seas): tu perorata es completamente vacía, usas palabras a diestro y siniestro sin llegar a decir nada. Parece un paradigma del espíritu de la vacuidad que preside la mayoría de estos comentarios. Cierto que la realidad es dialéctica, pero eso podrías haberlo desarrollado más. ¿Acaso es ironía? Yo vuelvo a remitirme al último comentario de "al pan pan", entre tanta altisonancia y "empty words".
Mariano, a pesar de tus palabras, gracias por seguir participando en el debate. Si no te gustan las "empty words" arranca de aquí, que nadie te obliga, porque de esto va el rollo, empty words, more than words, y nothing else matters, el arte hace tiempo que dejó de ser un discurso coherente, y es absurdo pedirnos a los artistas que digamos cosas con sentido. Si no te gusta, puerta.
más que "con sentido", porque algo de sentido sí que tienen los comentarios, se echan en falta cosas "con contenido". pero bueno, sigan divirtiéndose, que de eso va, no? de autobombo y tal.
Carajo, me voy un par de horas a pintar techos y se me pone el blog a fuego. En fin, está muy bien. No esperaba semejante acogida.
Para diferenciarme del otro José Otero, verán que el que crea los post y pinta cuadros aparece con el nombre azul. Y José Otero, bajame un poco el labio que me vas a montar lo de siempre: gallinero, insultos anónimos y esquizofrenia de blog.
Leeré con atención lo que me cuentan y responderé.
Mariano: Me resulta algo irritante que todo te parezcan empty words, leere Worte, mejor aún sinnlose Worte (o palabras vacías). No estamos resolviendo el misterio del Ser pero hay un debate que a mí no me parece del todo impertinente. Quizás deberías decir algo tú. Si sólo quieres suscribir las palabras de otro, no intervengas únicamente para desautorizar. No dices nada y generas mal rollito.
Beatriz: El autobombo no ha empezado. Ya empezará, tranquila. ¿Divertirnos? Eso espero.
A mis contertulios predilectos, Adrian y Estudio:
Es cierto que el debate de la “especialidad” de la pintura está sobredimensionado, pero es difícil como profesional escaparse de él. Yo he defendido durante un tiempo (maniqueamente?) como dices esa suerte de posición a distancia que permite el género y a la que se le ha dado bombo con la escuela de la laguna. Es una posición que no funciona porque aplana muchísimo (al menos en mi caso) la relación entre el trabajo diario de taller y el contexto público, no hay una relación dialéctica como decía aquel entre espectador y artista(s). Los que se despistan terminan haciendo churros y los que se despistan menos acaban sosteniendo discursos muy endógenos tremendamente ininteligibles y poco compartibles.
Como ejemplo práctico (mezclando alguna churra, si me perdonan) puedo citar la última exposición de la escuelita de marras en Berlín, descrita por el creador de la marca laguna como: “Marcianada”. (Di algo, Ramón) No hay apenas punto de contacto o similitudes entre los diferentes trabajos, ni desde la partida ni en la dirección de los diversos discursos. Y hablamos de siete personas, amigos para más INRI, que estudiaron en él mismo aula, y de un proyecto “publicado” en el 2005 (en cuatro años no hay razones para justificar la separación radical de los trabajos, toda vez que nadie ha cambiado mucho su obra). Ahí está el texto de Ludwig Seyfahrt, premio alemán a la crítica de arte, que reza así: Principio del texto: “What is actually going here? ” Final del texto “What meaning could all this have?” Más claro el agua.
No hay ninguna razón de género que se sustente para la pintura. Excepto quizás esa vaga impresión de que es poco espectacular, en su sentido banal, bienalero, etc. porque no chilla, ni gira, ni relumbra, cosa que debería medirse quizás en función de sus contenidos, esa carencia de “brillo” quiero decir, más que por sus formas.
Curiosamente, aquí en Alemania hay una tradición muy fuerte de pintura que a veces permanece en las comodidades del género pero que otras muchas veces arriesga a meterse en otros diálogos y envolaos. Adrián sostiene que ese paso adelante no permitiría a los discursos pictóricos desenvolverse con soltura. Quizás tenga razón. Yo personalmente quiero creer que no hay otra forma de seguir pintando si no es mediante ese choque. Me gustaría ver una expo conjunta de Tuymans con Bruce Nauman. Quiero ver más "Siempre son otros los que mueren" en Canarias
Luego echa uno un vistazo a las, así llamadas, “líneas y programaciones” de la mayor parte de los museos y salas y te sigues encontrando con las mismas distinciones absurdas entre “pintores” y “conceptuales”, “pintura” y “proyectos”... Y de aquí nos volvemos de nuevo, sin lamentaciones, a nuestro frívolo post inicial.
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